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Piglia vuelve con la «esperadísima» novela policíaca «Blanco nocturno»

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

 Trece años después de "Plata quemada", el escritor argentino Ricardo Piglia vuelve a visitar el territorio de la novela con "Blanco nocturno", en la que, como ha dicho a Efe, continúa transitando por "los límites del género policíaco".

En la presentación de "Blanco nocturno", Piglia ha explicado que la novela comenzó con un personaje, Luca, que es una traslación de un primo suyo, ya desaparecido, que le daba la imagen de alguien "tratando de sacar adelante un proyecto imposible".

"Yo creo que aquel primo construía objetos para los que la realidad no estaba preparada y en ese sentido era un artista, porque nunca pensaba en la utilidad y a veces ni siquiera en la función", ha dicho. Luego, alrededor de Luca, se acabó construyendo todo el armazón narrativo.

Piensa Piglia que no sigue los cánones del género negro: "Me interesa mucho más lo que sucede después del crimen, porque lo más interesante empieza después, cuando el crimen ha producido ya sus efectos. La novela negra aporta una percepción del mundo contemporáneo mucho más final y sutil que muchas novelas sociales".

Admite el autor argentino que "en esta ocasión sí hay un investigador, Croce, algo -ha dicho- que no pasaba en mis novelas anteriores, un personaje que pretende ser un contrapunto a los investigadores clásicos, que suelen ser racionales e inteligentes". Croce no está loco, pero, como él mismo dice, es "sospechoso de demencia", recuerda.

Sin embargo, Piglia siente que tiene una "relación tangencial con el género", un género que ve como "una máquina de narrar que tiene además la virtud de la repetición".

En broma, el escritor argentino señala que construyó "Blanco nocturno" como si fuera una novela de ciencia ficción, en el sentido de que "tienes que dar la realidad narrativa a un universo, a un espacio, que no tiene la instantaneidad del mundo urbano".

En plena Pampa
Sitúa el autor de "La ciudad ausente" su novela en plena Pampa: "Tuve una experiencia de infancia en la Pampa, de la que guardo recuerdos inolvidables como esa idea de la llanura en la que nada cambia o también la impresión de la noche en la llanura, donde siempre piensas que te puedes perder".

La reaparición del personaje de Renzi da continuidad a su obra narrativa, pues representa para Piglia como un "ancla", "un testigo de los acontecimientos".

La inclusión de las notas a pie de pagina, que ya utilizó en los cuentos de "Nombre falso", le pareció "un mecanismo narrativo interesante" y que permite al lector "manejar una información que la novela no puede dar".

Además, trató que las notas tuvieran cierta autonomía, que "se pudieran leer como relatos". Tras decir que entre una y otra novela siempre ha pasado mucho tiempo, Piglia atribuye los trece años pasados desde su anterior novela, "Plata quemada", a su particular método de trabajo.

"Ese método consiste en escribir un borrador y dejar un tiempo de reposo, y luego escribir una segunda versión y volver a dejar descansar el manuscrito, con la ilusión de que el tiempo se acabe incorporando al relato, y que adquiera cierta autonomía e imaginario propio".

Piglia no recomienda el método porque "no garantiza que el resultado sea bueno" y vuelve a justificarse: "El tiempo que pasó desde la última novela coincidió con mi estancia en la universidad de Princeton como profesor".

En la actualidad, Piglia trabaja en su próximo libro de relatos y después de su publicación volverá a la transcripción de sus diarios, una experiencia que ya inició y que califica de "melancólica". La publicación de los diarios no es sólo "pasarlos a máquina", sino también darles una continuidad, un hilo que haga que dejen de ser aburridos, añade.




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«Balada triste de trompeta»: España como una macabra payasada

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

"Me interesa el payaso como símbolo", explicó el cineasta en un encuentro con la prensa española. "Es una figura terrorífica fuera de contexto, que tiene un ‘link’ con el sacerdote y el torero. Los tres llevan trajes de luces, los tres participan en un ritual de iniciación en el que hay un sacrificio". Y ese es el primer triángulo que marca esta voluntariamente indigesta película.

"Balada triste de trompeta" está recorrida por una carcajada truncada y escalofriante, por un país que se ríe para maquillar el desamparo. "La expresión ‘España negra’ es una redundancia", aseguró el también presidente de la Academia de Cine de España, que ha querido hacer con esta cinta "un exorcismo" con el tan conflictivo tema de la memoria histórica.

"Balada triste de trompeta, por un pasado que murió, y que llora y que gime como yo", cantaba Raphael, y sobre esta estrofa se construye el inquietante cine de esta nueva cinta del autor de "Acción mutante". "Es la película más difícil que he hecho, pero también de la que más orgulloso me siento", sentenció.

Desde la Guerra Civil hasta el asesinato de Carrero Blanco, la cinta cuenta la historia del payaso tonto, encarnado por Carlos Areces, y su llegada a una compañía sometida al agresivo carisma del payaso gracioso, encarnado por Antonio de la Torre, con quien rivalizará además por el amor de una mujer: la trapecista que encarna Carolina Bang. Ya van dos triángulos.

El tercero es el del amor, el humor y el horror. "El amor conduce inexorablemente al horror, y la única manera de impedirlo es a través del humor", resumió De la Iglesia, quien a su vez considera "Balada triste de trompeta" parte de una "trilogía de la degradación de las alturas" junto con "El día de la bestia" y "La comunidad".

Como en aquellas, un reconocible monumento español sirve para el clímax, y en esta ocasión es la cruz del Valle de los Caídos. "Un lugar que simboliza un pasado terrible". Y en ella, dos payasos, como las dos Españas, luchan hasta la destrucción mutua.

Llena de imaginario nacional de una época que De la Iglesia recuerda como "una alucinación infernal", "Balada triste de trompeta", en las múltiples capas que abarrotan su celuloide, también es "una reivindicación del espíritu cinematográfico patrio. De Pedro Olea, de Mario Camus, de ‘Furtivos’ (de José Luis Borau)", aseguró.

Y todo ello aderezado con algunos de sus colaboradores habituales: no está su acostumbrado guionista, Jorge Guerricaechevaría, pero sí Roque Baños, que orquesta la película en un tétrico redoble de Semana Santa, y también están actores como Sancho Gracia, Santiago Segura, Terele Pávez o Enrique Villén.

Rodada en nueve semanas y media con un presupuesto de 6 millones de euros, el resultado se estrenará en salas españolas en diciembre.

"No sé si es mi película más adulta, porque me suena muy pretencioso. Pero participa de un sentimiento mío: el de no haber sido nunca un niño", confesó De la Iglesia, que ya mostró la reverberación trágica de la carcajada en "Muertos de risa".

"Creo que el único humor que funciona es el que se sabe peligroso", afirmó quien llega a Venecia con la película recién montada y acompañado por Bang, De la Torre y Areces.

Con la reacción de estupefacción de los espectadores, De la Iglesia ya contaba, pues reconoce que su filme está "desatado" pero era lo más honesto en este momento de su vida. "Una película es mostrarte a ti mismo de una manera violenta", dijo.

Y de cara al presidente del jurado, Quentin Tarantino, reconoció en él puntos en común. "Los dos tenemos ganas de entretener sin miedo a las consecuencias". Pero eso "igual es una ventaja, o igual no".

Sus competidoras en la jornada de hoy son "Non credevamo", la mastodóntica recreación de la unificación italiana en 200 minutos rodada por Mario Martone y destinada a ser desmembrada en forma de mini serie para la televisión, y "Promises Written in Water", la cinta dirigida por el polémico Vincent Gallo. 




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Alejandro Sanz a Chávez: «quiero cantar en su país ¿Me lo permite?»

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

El cantante español Alejandro Sanz ha solicitado públicamente al   presidente de Venezuela, Hugo Chávez, que le deje actuar en el país caribeño para cerrar su gira ‘Paraíso Express’.   

"Presidente Chávez, quiero ir a cantar a su país… ¿Me lo   permite? ¿Me da su palabra de que no le pasará nada ni a mi publico,  ni a mi gente, ni a la empresa, ni a mí?", pregunta el cantante al   presidente venezolano.   

"Si usted me da permiso y nos da su palabra de que nada va a pasar, yo cierro mi gira en Venezuela. Usted tiene la palabra", ha escrito este lunes el artista español en su cuenta de la red social  Twitter’.  

En 2007, el Gobierno de Venezuela prohibió un concierto que San  tenía previsto dar en Caracas alegando motivos de seguridad. Sin embargo, los medios opositores venezolanos señalaron entonces que la prohibición se debía a unas declaraciones críticas con Chávez efectuadas tres años antes por el músico español.

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Mortier toma el poder en el Real

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

Casi puntual, aunque pasaban algunos minutos de las doce del mediodía, Miguel Muñiz, director general del Teatro Real, daba la palabra al ya actual director artístico y musical del coliseo, Gérard Mortier, quien acercándose al micrófono que tenía enfrente lanzaba su primera y franca frase: «Estoy nervioso y contento». La última vez que se la había visto fue en la misma casa, en el mes de marzo. Presentó entonces su primera temporada como director, hecha a cuatro manos (aunque alguna mano pesaba más que otra) con el ya ex responsable artístico, Antonio Moral ante un auditorio abarrotado. Dijo entonces que no volvería a hablar hasta septiembre. Lo ha cumplido.

   

La gran familia

Sobre la larga mesa vestida de rojo apagado (nada que ver con el traje fuego y negro que lucía la imponente soprano Measha Brueggergosman) expuso los tres temas sobre los que va a pivotar la nueva era que ayer inauguró: espíritu de equipo («que trabajamos como si fuéramos una familia. El modelo está en el pasado, en compañías como las de Shakespeare o Molière.
En la Ópera de París no lo conseguí porque era demasiado grande, pero aquí creo que sí», confiesa), insistir en la vertiente teatral y musical del espectáculo operístico y establecer una diálogo fluido con el público. Nada había dejado a la improvisación, ni la disposición de la mesa, ni la colocación de las sillas granates de terciopelo en tres hileras. Mortier sabía hasta dónde había una despistada mota de polvo (saludó amabilísimo a la Prensa e incluso se permitió un chascarrillo sobre Almodóvar).

  Ejerció Mortier de maestro de ceremonias y dio por riguroso turno la palabra a diestra y siniestra y dejó que se expusieran las novedades, centradas en el cambio de formato del libreto  de mano (con portada de Eduardo Arroyo, gran amigo del belga), la publicación de una revista bimensual, así como la importancia que cobra el apartado audiovisual. Reacio tiempo atrás a las pantallas gigantes (criticó la inclinación de Peter Gelb, director del Metropolitan de Nueva York, por sacar la ópera de su hábitat y proyectarla en pleno cogollo de Manhattan),  ha acabado por dejarse seducir por ellas y el sábado se retransmitirá «Eugenio Oneguin», de Tckaikovski, título que abre la temporada,  frente al coliseo, cuando aún resuenan los ecos del exitazo del Boccanegra de este verano en la voz de Plácido Domingo. Quizá eso le haya animado… Si de novedades hemos de hablar, una de las principales viene de la mano del coro y de su titular, el argentino Andrés Máspero (cuyo nuevo cargo ya adelantó LA RAZÓN).


Sin Sonsoles Espinosa

Las voces de la nueva formación se podrán escuchar por primera vez en «Auge y caída de la ciudad de Mahagonny», de Kurt Weill, que se estrena el próximo 30 de septiembre. Máspero contó que las audiciones comenzaron el pasado 16 de agsoto y que son 52 los elegidos después de unas «audiciones estrictas y severas en las que ha primado la calidad vocal y la importancia de saber trabajar en conjunto. Tengo la garantía de haber constituido un grupo de absoluta calidad», aseguró el argentino. Hay preponderancia de voces masculinas, 30 hombres frente a 22 mujeres, que se dividen en 12 sopranos, 10 contraltos, 16 tenores y 14 barítonos bajos, la mayoría españoles, pero también llegados de México, Chile, Colombia, Cuba, Italia, Francia o Alemania. ¿Cantará Sonsoles Espinosa, esposa  del presidente del Gobierno, en la nueva formación? Máspero es claro en la respuesta: «No ha audicionado ni presentado su currículum. Tendría que haber pasado por las mismas pruebas que cualquier aspirante si desea entrar en la formación», aseguró con gesto serio, que sólo descompuso cuando le tocó el turno de la palabra a la coqueta Measha Brueggergosman, soprano canadiense que en «Auge y caída de la ciudad de Mahagonny», de Kurt Weill (y que se estrena el 30 de septiembre), interpreta a una prostituta. Con coquetos mohínes, dio las gracias a Mortier por haberse fijado en ella: «Cuando me lo propuso me lancé. No me puedo creer la suerte que tengo», sobre todo, insistió, por haber coincidido con un tenor tan apuesto como el que cantará en la ópera de Weill, una obra que Mortier defendió a capa y espada (se había criticado su elección puesto que hace sólo dos años se representó en el Matadero): «No es música de cabaret, es una ópera que no ha perdido un ápice de su actualidad después de 90 años y uno de los grandes títulos del  XX».

La Fura y su padre

El director artístico y musical del Teatro Real no ocultó la gran amistad que le une a la Fura del Baus, con quien trabaja desde 1996 y por quien confiesa una mayúscula admiración. Carles Padrissa y Ramón Ollé, dos de sus representantes, ocupaban un extremo de la larga mesa, dijeron que su trayectoria estaba marcada por el belga: «Elegir, además, una ópera como ésta es tomar posición. Se trata de una buena y completa reflexión  sobre el momento actual».

Padrissa prometió novedades y dejó a la audiencia boquiabierta al asegurar que no habrá proyecciones (marca de la casa), «sino que hemos rescatado diapositivas, las hemos rescatado, digamos, y hemos buscado la raíz residual de la Fura, la de los años 80».

   Dimitri Tcherniakov, director de escena del Bolshoi, que hoy desembarca sin miramientos en el Teatro Real, no quiso entrar en polémicas sobre el revuelo que supuso el estreno del montaje que llega al coliseo madrileño en Moscú: «Las entradas se agotaron debido a la controversia que generó y aún hoy, cinco años después de su estreno, lo recuerdan. Parte de la vieja guardia no lo aceptó bien, pero los resultados fueron satisfactorios». El tercer título que se verá en septiembre, el día 15, es «Montezuma», en los Teatros del Canal. Mortier confesó que desea ver la reacción del público (en Edimburgo fue muy contestado este verano): «Es para los jóvenes, un divertimento. Además, el teatro debe reflexionar sobre la historia», dejando entrever que para nada las tiene todas consigo.  Habrá que esperar dos semanas. Y adelantó que montará «Don Carlo» poc antes de su despedida: «Me da miedo hacerlo en Madrid, de ahí que lo deje para el final».


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Competencia critica las nuevas ayudas al cine

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

No le gustó a Cineastas contra la Orden. Tampoco a la Asociación de Mujeres Cineastas y Medios Audiovisuales. En Bruselas, la cuestionaron. Ahora, al nuevo sistema de reparto de ayudas al cine español le ha salido otro enemigo: la Comisión Nacional de Competencia. En un informe, el organismo público critica la reforma estrella del director general del Instituto de la Cinematografía, Ignasi Guardans, al asegurar que «en la normativa reguladora de las ayudas se detectó la existencia de algunos criterios de valoración que eran susceptibles de afectar negativamente a la competencia existente en el sector al favorecer injustificadamente a determinados operadores».

Méritos sobre experiencia
Según reza el citado informe, «en algunas ayudas se incluían criterios como la experiencia, el historial o la trayectoria profesional de los solicitantes. Con ello, además de la posible subjetividad en la valoración de los mismos, se está limitando de forma injustificada el número y variedad de los operadores que podían acceder a las ayudas». Dicho esto, Competencia hace una recomendación: «La eliminación de estos requisitos, o, al menos, reducir al mínimo su ponderación en la valoración de las ayudas».

La relevancia de la experiencia o historial es, de hecho, del 25 por ciento en el cómputo total de puntos. Pongamos como ejemplo las ayudas para la elaboración de guiones de largometrajes. En este apartado, «el historial profesional del autor» puede aportar hasta 25 puntos de un total de 100. En las subvenciones destinadas al desarrollo de proyectos y a la producción de largometrajes se repite la relevancia en la puntuación de lo que el ICAA denomina «el historial económico y empresarial de la productora», con un máximo de 25 puntos sobre un total de 100 posibles. Además, Competencia advierte de que las ayudas también tienen en cuenta la participación en festivales, los premios recibidos y el número de estrenos realizados, cuando lo que se debería valorar «son los méritos del propio proyecto presentado».

Guardans, sorprendido
El director general del ICAA, que se encuentra en estos momentos en la Mostra de Venecia, aseguró a este diario que recibió con «sorpresa» la recomendación de Competencia. Aunque dijo no querer «hacer declaraciones hasta que tenga tiempo para estudiar el informe», el director general está «seguro de que hay mucho tiempo para explicarle a Competencia cómo funcionan las ayudas al cine».

Así, estas críticas se unen a las muchas que tuvo que escuchar Guardans tras presentar las nuevas reglas que rigen las ayudas. Primero fueron Cineastas contra la Orden, que criticaron que el reparto favorecía las grandes producciones en detrimento del cine de autor. Ante esta protesta, la Unión Europea mantuvo en vilo al sector al bloquear su aplicación por su posible incompatibilidad con la legislación europea. Por último, Mujeres Cineastas y Medios Audiovisuales expresaron su deseo de «competir en igualdad de condiciones» ante la decisión de Guardans de otorgar cinco puntos m ás cuando el equipo de una película estuviera formado por mayoría de mujeres o tuviera a una mujer como directora.

Por otra parte, Competencia también llama la atención al Instituto de las Artes Escénicas y de la Música sobre las ayudas para fomentar la participación en circuitos estatales, ya que, los criterios que se tienen en cuenta «pueden dificultar el acceso a nuevos operadores que precisamente por estar menos consolidados podrían encontrar más dificultades». 

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Cómo sobrevivir en la Mostra

Martes, 7 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

La lucha por la supervivencia hizo temblar la tierra de la Mostra. Dos películas excelentes, «El foso», del chino Wang Bing, y «Essential Killing», de Jerzy Skolimowski, agitaron las conciencias. En la primera, el director de «West of the Tracks» se ha ganado tres cadenas perpetuas contando las vicisitudes de los prisioneros de un campo de concentración en el desierto de Gobi en 1960: es un filme duro, sin concesiones, pero tremendamente conmovedor. En la segunda, el guionista de «El cuchillo en el agua» nos obliga a pegarnos al cuerpo de un talibán convertido en animal salvaje en su huida por los bosques polacos. Excepto por unos innecesarios flashbacks, nada sabemos del talibán: sólo es un cuerpo en fuga que nadie juzga. Skolimowski consigue abstraerse de las connotaciones políticas de su premisa para facturar una película poderosísima sobre la relación del hombre con la naturaleza. Vincent Gallo fue excusado por Skolimowski, que defendió su valía profesional por un papel que tiene la Copa Volpi escrita en la cara. Más difícil lo tendrá Gallo con «Promises Written in Water», su nuevo «egotrip» como director, actor, montador y músico. Cassavetes de segunda regional, Gallo está convencido de su genio, pero aquí ha metido la pata: la melancolía de su cine anterior ha dejado paso a una pose errática con esta historia de amor rota en pedazos y filmada en blanco y negro y 16 mm.

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Llega a Madrid el documental sobre Berlanga, «Por la gracia de Luis»

Lunes, 6 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

"Me parece una mierda", fue la primera impresión de Luis García Berlanga al terminar de ver la cinta, que fue presentada el pasado octubre en "La Mostra de Valencia Cinema del Mediterrani", una definición que García Sánchez aceptó y considera "óptima".

"Luis (García Berlanga) piensa de todas sus películas que son una sucesión de cagadas, así que esa impresión era lo que buscábamos", ha explicado hoy el director de "Por la gracia de Luis", durante la presentación madrileña del documental.

La cinta reúne a actores de todas las épocas que han trabajado con el director valenciano, y utiliza como pretexto para la reunión un viaje en tren desde Madrid hasta los estudios de la Ciudad de la Luz de Alicante, donde los intérpretes tendrán que filmar un plano secuencia improvisado al estilo "berlanguiano".

Juanjo Puigcorbé, Javier Gurruchaga, Antonio Gamero, Andrés Pajares o Guillermo Montesinos son algunos de estos viajeros que, en la película, siguen al joven e inexperto director Guillermo García Ramos -que se interpreta a sí mismo-, quien, a su vez, recibe indicaciones telefónicas de Berlanga.

Anécdotas y recuerdos se mezclan en los vagones del tren, imágenes que se completan con un recorrido por diferentes escenas de las películas de Berlanga, entrevistas con otros actores y personas que colaboraron con su cine, charlas con el propio director en diferentes momentos de su vida y la búsqueda de sus obsesiones y las constantes de su estilo.

José Luis Borau incluso reivindica en el documental la expresión "berlanguiano" como término para designar una "situación esperpéntica, caótica, vitalista". En este sentido, Montesinos subrayó durante la presentación que, a pesar de la "fama" de "caótico", el director montaba y ensayaba "muy bien" los planos secuencia desde "las siete de la mañana".

"Yo creo que a Berlanga nunca se le homenajeará todo lo que merece. Los actores tenemos que estar agradecidos de que hubiese un director como él, que dirigía como nadie, porque podía no decirte nunca lo que le gustaba, pero sí decía lo que no", destaca Montesinos.

En "Por la gracia de Luis" se nota la falta de tres actores iconos del universo de Berlanga. José Luis López Vázquez y Alfredo Landa no pudieron participar por sus delicados estados de salud, y Pepe Sacristán, por problemas de agenda.

"Incluiremos a Sacristán porque esta cinta es un ser que sigue vivo, que estará en continua revisión y que morirá conmigo", ha confesado García Sánchez. Ante los comentarios que han surgido por parte de algunos críticos de que Berlanga ha sido un director sobrevalorado, García Sánchez se ha mostrado "tajante" al considerar que la figura de Berlanga está, por el contrario, "minusvalorada por su propia culpa".

"Se empeñó en no querer ir a ningún sitio y hacer el cazurro, pero yo no recuerdo que nadie haya estado mal en una película de Berlanga; y eso es ser director de cine", ha remarcado.

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Juicio contra los acusados de negligencia en el caso Van Gogh

Lunes, 6 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

El fiscal general egipcio, Abdelmeguid Mahmud, ordenó el pasado 23 de agosto la detención del jefe del Departamento de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, Mohsen Shaalan, acusado de negligencia en el caso del robo, dos días antes, de la obra de Van Gogh (1853-1890) del Museo de Arte Moderno Mahmud Jalil.

Además de Shalaan, están imputados la directora del museo, Rim Ahmed Bahir y su asistenta, María al Qebti Bishai, el director de seguridad del centro, Sobhi Ibrahim Auad Alá, así como los vigilantes de la galería, informó hoy la agencia estatal egipcia, Mena. En caso de ser declarados culpables por el tribunal, los inculpados se enfrentarían a una pena de tres años de prisión y al pago de una multa.

Los resultados de las primeras investigaciones desvelaron que el sistema de vigilancia del museo Mahmud Jalil tenía graves deficiencias y que las cámaras de seguridad ubicadas en la sala que albergaba el cuadro estaban estropeadas desde hacía tiempo.

Tampoco funcionaban las cámaras colocadas en la entrada y salida del edificio,
ni el detector de metales situado en la puerta principal, ni los sistemas de alarma de prevención de robos. Según el fiscal, Shalaan conocía las averías y sabía que el museo carecía de protección contra hurtos e incendios, pero supuestamente no destinó ninguna partida del presupuesto a subsanar los fallos de seguridad del Mahmud Jalil.

Por su parte, al director de seguridad del centro se le acusa de no sustituir las cámaras ni las alarmas estropeadas, a pesar de que presuntamente sabía que no funcionaban, ni de emplear el número suficiente de personal para vigilar las obras.

La Fiscalía también culpa a Bahir por no haber reaccionado ante la falta de medidas de seguridad. Tras el hurto del cuadro, valorado en unos 40 millones de euros (unos 50,8 millones de dólares), las autoridades egipcias cerraron este museo y otros cuatro de distintas ciudades del país para revisar sus mecanismos de seguridad y vigilancia.

Un magnate egipcio ha ofrecido una recompensa de un millón de libras
egipcias (unos 175.000 dólares ó 137.000 euros) a quien ofrezca información sobre "Las Amapolas", que aún se encuentra en paradero desconocido.

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El inédito de Bioy Casares con su viaje a Brasil le descubre como fotógrafo

Lunes, 6 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

"Unos días en el Brasil" (Diario de Viaje) es el título del libro que ha editado Páginas de Espuma, en España, y La Compañía, en Argentina. Un breve libro y una joya con la esencia de la escritura del autor de "La invención de Morel", y que descubre al lector la faceta de fotógrafo del argentino.

Nueve fotografía que completan el libro y que desde hoy se pueden contemplar en Galería Guayasamin, de la Casa de América de Madrid, en una exposición de dedicada al escritor. "Hay miles de fotografías de Bioy en su archivo y antes de morir tenía en proyecto armarlas y exponerlas. Él se veía como fotógrafo, la fotografía le apasionaba. Tenía fotos de su esposa Silvina Ocampo, su hija Marta, con Borges, en bañador, en Mar de Plata, de amigos, familiares. Si tenemos fotos de los años 40 o 50 es gracias a él", explica a Efe Lafon, traductor, profesor y amigo de Casares.

La publicación de este libro, con las reflexiones y anécdotas sobre el viaje que Bioy hizo a Brasil (Río de Janeiro, Sao Paulo y una recién nacida Brasilia), invitado por el PEN Club argentino para asistir a un congreso, es una oportunidad para volver a arrojar luz sobre este autor, cuyo talento. según Lafon, estuvo marcado por la extensa sombra de Borges, su gran amigo, hasta que éste murió.

Y es que en este Diario, del que Bioy Casares hizo una edición especial de 200 ejemplares para sus amigos y familiares, y que nunca se editó para el público, está resumido el pulso vital y biográfico del autor, tanto su forma de entender la narración con el uso de una economía del lenguaje, "con un detalle lo define todo", como su forma de ser.

"No le interesaba nada hablar en público -subraya-, ni las reuniones de escritores. No le gustó nada Brasilia, pero escribe que los brasileños ven los barcos y los abrazan. En este viaje de ocho días, no logra seducir a ninguna mujer, algo extraño. Toma el viaje como una aventura. Practica la soledad y el alejamiento temporal en su relación con Silvina".

Pero sí que en las páginas de este libro se puede comprobar la importancia de las mujeres en la vida del autor de "El sueño de los héroes", que comienzan con unas palabras que recuerdan un viaje que hizo en 1951 y que dice que se complementan con el diario del viaje que acaba de emprender a Brasil.

Un recordatorio de Opheliña, una jovencita que cuentan que se desmayó al pasar junto a la mesa de Adolfo Bioy en el barco, según le dijeron a Bioy de "amor por mi", a la que luego el autor intentará buscar en Brasil, sin encontrarla. A la vuelta escribe: "En mi mesa de trabajo me esperaba un sobre, franqueado en Río, dirigido a Adolpho B. Casares. Lo abro y hallo un trozo de papel, en el que no sin dificultad leo una frase y una firma escrita con lápiz: ‘Viejo verde, corruptor de menores, no me tendrás, Ophelia". Así concluye el libro.

Fotografías, cartas y 60 años de diarios están custodiados en el archivo del escritor, a la espera de que se dirimen los problemas de la herencia familiar del escritor. "La publicación de estos diarios podría contribuir a restar valor a esa imagen que tiene algunos de un Bioy frívolo, señorito y millonario. De las ocho novelas que publicó, seis son obras maestras, perfectas. Y no conozco tantos escritores que publiquen obras perfectas", añade el experto.

Para Lafon, "este diario tiene un cometido íntimo y personal del autor para seguir transformando cualquier día de su vida en un viaje y una aventura, cualquier lugar del mundo en una isla encantada donde todo se vuelve posible e incluso deseable".

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Una fría acogida en Venecia agudiza aún más los silencios de «Caracremada»

Lunes, 6 de septiembre de 2010 admin Sin comentarios

La película del joven director catalán Lluís Galter (Figueras, 1983), licenciado en Comunicación Audiovisual en Barcelona hace sólo cinco años, renuncia a los diálogos en la práctica totalidad del filme para dar protagonismo a una muy cuidada fotografía, auspiciada por un impresionante paisaje del interior de Cataluña.
      

Los cambios de estación y las únicas interrupciones del sonido de las balas y algún fraseo perdido en la trama acompañan un lento paso del tiempo, el mismo que debe esperar la resistencia al régimen franquista (1939-1975) de la anarcosindicalista Confederación Nacional del Trabajo (CNT) para conseguir alcanzar sus objetivos.
      

"El no poner diálogos no fue una decisión. Al menos al inicio el guión llevaba diálogos, pero luego la escena clave me motivó a hacer esto. Es la imagen del hombre con la sierra. Había que centrarse en este tipo de situación, no ser nunca discursivo, sino ser más simbólico", comentó Galter durante una rueda de prensa en la Ciudad de los Canales.
      

"De alguna manera hay una historia que se explica con palabras en los libros. La historia de maquis y de anarquismo no incluye muchas veces a Caracremada y, para reivindicarlo, había que hacerlo rebelándose contra esa historia. Esto hacía que tuviéramos que contar la historia como un camino paralelo, en imágenes y sonidos", añadió.
      

"Caracremada" es, además del título de esta cinta de 98 minutos de duración, el sobrenombre que la Guardia Civil daba al protagonista de la historia, Ramón Vila Capdevila, quien decidió en 1951 rebelarse al mandato de la CNT desde Toulousse (Francia) de dejar la acción violenta contra el régimen de Francisco Franco y ocultarse en los bosques catalanes para llevar a cabo un golpe de efecto, el sabotaje de una central eléctrica.
      

"Hay grupos de acción en España desde el fin de la Segunda Guerra Mundial. En 1945 y hasta 1951. En ese año la CNT exiliada decide la retirada de todos los hombres. En este momento hay personas que se rebelan contra esta directriz y permanecen en España luchando con medios precarios. Uno de ellos es Caracremada", comentó el joven cineasta.
      

"Mi historia, o lo que yo quería contar, no venía de los libros, sino de una imagen, que es la del hombre solo, en el bosque, resistiendo. Esta lucha es la del hombre serrando una torre de electricidad, como una imagen desesperada de resistencia. He partido de esta imagen e intentado girar en torno a esta imagen", agregó.
      

Protagonizada por Lluís Soler y Aina Calpe, "Caracremada" es una arriesgada apuesta del novel cineasta catalán para abrirse paso en ese mundo del cine con el que ya se ha podido codear en la "Mostra", a pesar de que, según él, no se encuentra "en su salsa" en este tipo de eventos.
      

"Mi intención con la película ya viene de la misma elección del personaje. De hecho, la propaganda que hay en el filme es la propaganda del hecho, de la acción. Se trata un poco de reivindicar esta parte más escondida, esta sombra de lo que fue la resistencia (contra el régimen franquista) a partir de este personaje", comentó Galter.
      

"La elección del personaje -añadió- y explicar al personaje a través de las acciones, el hecho de explicar algo a través de una acción permanente, ahí ya hay un signo político. No sólo es resistencia, sino que es resistencia activa, cotidiana, casi como una forma de vida".
      

Según el cineasta, en su película, que compite por los premios que concede la sección "Horizontes", no hay una "épica espectacular de grandes gestas, aunque sí que hay una épica de lo cotidiano, de los pequeños gestos de la vida".
      

Galter, quien estuvo acompañado en la rueda de prensa por Calpe, afirmó no sentirse un abanderado de la lucha contra el cine de acción, porque considera que el suyo es también un filme de acción, "que es un poco lo que hacía Caracremada: adaptarse a la situación, a los medios que uno tiene".
      

Por su parte, la joven actriz protagonista del filme aseguró que ha sido un "privilegio" participar en una película sin diálogos, porque a veces "la gente habla demasiado".

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